Texto en acción
La guía definitiva para que el actor y el director exploren el texto durante los ensayos. 3ª edición revisada, de Cicely Berry
ISBN: 978-84-245-1291-0; formato: 17x24; 296 páginas

Cicely Berry nos relata y trasmite las investigaciones que ha realizado en torno a la voz durante los últimos 50 años con actores, directores y dramaturgos. Una generosa labor que ofrece al lector la ocasión de sentirse partícipe de una experiencia única. Pocos libros trazan una reflexión tan compleja como asequible sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo. Sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento. Si algo caracteriza los libros de esta autora no es tanto su carga teórica sino su praxis, los ejercicios que comparte minuciosamente con lectores y alumnos. Quien nos interpela en este libro es la voz obstinadamente joven de una mujer de 80 años que nos habla del juego y de la vida, empecinada además en romper con las convenciones del idioma y batallar así contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral.

Cicely Berry (1926-) ha sido directora vocal de la Royal Shakespeare Company (RSC) y asesora de todas sus producciones teatrales. Estudió Arte Dramático en la Central School of Speech and Drama. Ha trabajado con actores de renombre internacional como Peter Finch, Sean Connery, Ann Bancroft, Richard Chamberlain, Derek Jacobi y Jeremy Irons y directores como Peter Brook, Trevor Nunn, Bernardo Bertolucci, Augusto Boal o Sam Mendes. También está muy involucrada en la educación internacional, ha impartido clases particulares a profesores de enseñanzas medias y políticos, y ha enseñado en prisiones. Es profesora honoraria de la Universidad de Monfort de Leicester y Doctora Honoris Causa por la Academia Nacional de las Artes de Cinematografía y Teato de Bulgaria y de Literatura por la Universidad de Birmingham de Inglaterra.

Vicente Fuentes es Doctor por la Universidad de Alcalá y Catedrático de la RESAD. En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios teatrales Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La Voz Humana u Objetiva. Completa su formación en Stratford con Cicely Berry. Es asesor de Verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Director del Laboratorio del la CNTC para la formación de jóvenes actores y miembro fundador del Roy Hart International Center. Forma parte de la compañía Nao d'amores y parte de su actividad teatral está estrechamente asociada al Teatro de la Abadía. En 2013 crea el Centro de Investigación de la Voz, Palabra y el Verso: Fuentes de la Voz.

Lecciones elementales de ajedrez, J.R. Capablanca
Colección Ajedrez, 5
ISBN: 978-84-245-0330-7; formato: 13,3x19,3 cm
118 págs

Este libro reúne las famosas lecciones radiofónicas que José Raúl Capablanca, el genial maestro cubano, impartió desde Nueva York. Sus enseñanzas alcanzan su cima más aguda y significativa, logrando transmitir al alumno las esencias del ajedrez a través de amenas y sintéticas lecciones.

Para Capablanca la visión del final hay que captarla desde el planteamiento de la apertura y lo demuestra con ejemplos claros y definitivos.

Canciones 2, The Beatles
Colección Espiral Canciones, 149
ISBN: 978-84-245-0584-4; formato: 11,3x20,3 cm
144 págs

El periodo comprendido entre los años 1965 y 1968 está marcado, en el mundo del pop, por la explosión de la psicodelia, movimiento
al que los Beatles, una vez más, se anticiparon con la edición del álbum Rubber Soul (1965), al que siguieron: Revolver (1966), donde el surrealismo de John Lennon marcó una nueva dirección en la vertiginosa autopista del rock; Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), disco clave en la evolución de la música popular de nuestro tiempo; y Magical Mystery Tour (1968), concebido, originariamente, como un film vanguardista de Paul McCartney.

Además de las canciones incluidas en estos cuatro trabajos, este segundo volumen de la Obra Completa de los Beatles recoge los textos de los sencillos editados entre 1966 y 1968, destacando temas tan célebres como “All You Need Is Love”, “Penny Lane”, “Strawberry Fields Forever”, “Lady Madonna” y “Hey Jude”. Todos ellos en versión bilingüe inglés-español.

Canciones I, de Queen
Colección Espiral Canciones, 156
ISBN: 978-84-245-0626-1; formato: 11,3x20,3 cm
128 págs

Freddie Mercury, alma y talante de Queen, desmesurado, impagable en su humanización del kitsch y, finalmente, tocado por la suerte más cruel, desapareció de esta dimensión en noviembre de 1991, legando treinta millones de euros a una fundación benéfica en favor de las víctimas del sida. Hoy, más de un cuarto de siglo después de su muerte, que arrastró inevitablemente la de Queen, su voz le sobrevive tan intacta como el fervor de innumerables admiradores en todo el mundo por atesorarla. ¡La Reina ha muerto! ¿Dónde está la Reina?

En este primer volumen se incluyen las letras originales y su traducción al castellano de una selección de canciones de los primeros trece trabajos publicados por Queen hasta la muerte de Freddie. El resto de las canciones, junto con The Freddie Mercury Album (su aventura en solitario) y Made in Heaven se encuentran en Queen, canciones 2, número 191 de esta misma colección.

El ajedrez de torneo, de David Bronstein
Colección Ajedrez, 19
ISBN: 978-84-245-0397-0; formato: 13,3x19,3 cm
438 págs

"Un torneo largo no es una simple colección de partidas. Si además los participantes son los jugadores más fuertes del mundo, las partidas adquieren entonces, una marcada interconexión: están llenas de ideas que cristalizan y se desarrollan durante el curso de la competición y esta, entre tanto, representa un estado particular en el desarrollo del pensamiento ajedrecístico...
Las partidas de un torneo de grandes maestros acercan al lector a la esfera creativa de los líderes del ajedrez contemporáneo y muestran cómo va tomando forma la batalla, cómo se va creando un ambiente ajedrecístico. El autor se ha centrado en el área más inexplorada y más interesante del ajedrez: el medio juego y su tratamiento por parte de los maestros de hoy, esta es la orientación básica de esta obra..." (David Bronstein)

Pocos libros de ajedrez habrán sido objeto, por parte del autor, de tanta dedicación, de tanto esfuerzo y análisis. Muchos menos podrán ofrecer una expresión tan elegante y precisa, un tan proverbial derroche de inteligencia, de sensibilidad y penetración ajedrecística. Bronstein ha querido ofrecer una colección de partidas magistrales que, junto a extraordinarias jugadas y errores, mostrase las bellezas y desilusiones del torneo, la ansiedad y la combatividad, la dureza, en suma, del ajedrez de competición. (Antonio Gude)

El actor y la diana, de Declan Donnellan
Colección Arte, serie Teoría Teatral 146
    ISBN: 978-84-245-1068-9; formato: 17x24 cm con solapas; 192 páginas.


“Texto imprescindible para todo el que quiera dedicarse al teatro; un soberbio manual para actores.” — Marcos Ordóñez, El País

“Una lectura apasionante, tan perspicaz sobre la psicología del mentir como lo es sobre el arte de actuar.” —Lyn Gardner, The Guardian

“Explica el muy pragmático sistema de Donellan y nos descubre de manera incomparable a uno de los mejores directores de actores de nuestra época.” —Jean-Louis Perrier, Le Monde

El actor y la diana se publicó originalmente en Rusia, en el año 2000, y algo más tarde, en 2002, conoció su primera edición inglesa. Desde entonces este libro, fruto de la experiencia de Declan Donnellan como director y profesor de actores, ha sido traducido a más de quince idiomas y se ha convertido en un texto imprescindible para profesionales y estudiantes de interpretación.
     La propuesta de Donnellan es simple pero contundente: es la generalización, la falta de una diana precisa, lo que conduce al actor al bloqueo. A través de una serie de reflexiones, ejemplos y ejercicios de gran amenidad y concisión, el autor nos enseña a vencer el bloqueo para conseguir una actuación fluida y libre.
     
«Estos nuevos “consejos a los actores” diseccionan toda trivialidad sobre la actuación, dibujando a cambio soluciones específicas radiantes y novedosas. Desde el placer y el humor de su escritura, Declan Donnellan conduce sutilmente a los jóvenes actores hacia una conciencia del proceso vivo que se oculta tras su trabajo. Como evidencia nos presenta ese valioso territorio del pensamiento y de la intuición que ha hecho suyo a través de la experiencia directa.» (Peter Brook)


“Declan Donnellan, irlandés de origen, inglés por educación, europeo de cultura, universal en su pensamiento, es uno de los directores más originales que existen.” —Le Figaro

Nacido de padres irlandeses, Declan Donnellan creció en Londres. En 1981 junto con el escenógrafo Nick Ormerod fundó la compañía Cheek by Jowl, que ha recorrido el mundo entero con sus giras. Un elenco multirracial y transgénero de actores británicos, franceses y rusos ha presentado obras tales como Como gustéis de Shakespeare, Ubu Roi de Jarry y Boris Godunov de Pushkin.
     Algunas de sus producciones más destacadas como director son: teatro en la Royal Shakespeare Company (La escuela del escándalo), el Royal National Theatre de Londres (Fuenteovejuna, Sweeney Todd, El mandato), Old Vic (Antígona), el Festival d’Avignon (Le Cid) o el Teatro Maly de San Petersburgo (Cuento de invierno); ópera en la English National Opera y el Festival de Salzsburgo (Falstaff); ballet en el Ballet del Bolshói (Romeo y Julieta y Hamlet); y cine Bel-Ami con Uma Thurman y Kristin Scott-Thomas.
     Ha sido galardonado en Londres, Moscú, París y Nueva York: cuenta con cuatro Premios Olivier como Director del Año (1987), Mejor Director de un Musical (1994), Mejor Director de una Obra (1995), y Logro Excepcional (1990); el Premio Corral de Comedias 2008 y el León de Oro del Festival de Teatro de Venecia 2016 en reconocimiento a su trayectoria; en 2004 fue nombrado Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres por su trabajo en Francia y, en 2017, Oficial de la Orden del Imperio Británico por sus servicios al Teatro.

Praxis del cine, de Noël Burch
Colección Arte, Serie Cine 2
192 páginas; formato: 15x21 cm
ISBN: 978-84-245-1365-8

Noël Burch es ante todo cineasta. Sus reflexiones sobre la naturaleza de este arte se destinan en primer lugar a quienes crean cine, con el objeto de ayudarles a explorar sus propias exigencias proponiendo actitudes de investigación y modelos flexibles. Un segundo público serán los amantes del séptimo arte: el análisis de los films escogidos enseña al cinéfilo cómo ver mejor el cine, cómo forjarse criterios más rigurosos ante la masa de películas que se le proponen.
     Los textos aquí reunidos fueron inicialmente publicados en la prestigiosa revista Cahiers du Cinéma como artículos sueltos, y posteriormente compilados y organizados en cuatro bloques temáticos. Burch centra su análisis en las primeras manifestaciones cinematográficas. Es en los modos de representación primitivos donde encuentra la esencia de la praxis fílmica. Y es por ello que sus conclusiones sobre la relación entre tiempos y planos, su visión del espacio fílmico, o su entendimiento de los lenguajes y los estilos siguen siendo, hoy como ayer, piezas clave para abordar la estructura de la creación cinematográfica.

Nacido en 1932 en San Francisco, Noël Burch llegó a París en 1951 donde se formó en el IDHEC (Instituto de Altos Estudios de Cinematografía por sus siglas en francés) y trabajó como ayudante de Pierre Kast. Ha dirigido y escrito documentales y series de televisión, y colaboró en la emisión Cineastes de notre temps de Janine Bazin y André Labarthe. En 1976 fundó junto a Daniel Manciet y Jean-André Fieschi el Institut de Formation Cinematographique. Conocido sobre todo como estudioso del cine, sus teorías y conceptos, acuñados en sus libros Praxis del cine y La lucarne de l’infini, han sido fundamentales para posteriores análisis académicos.

 La construcción sociocultural del amor romántico, de Coral Herrera Gómez
Colección Ciencia, serie Género 323
    ISBN: 978-84-245-1200-2; formato: 17,2 x 24,2 cm; 416 páginas.


Entendida siempre como un fenómeno reproductivo biológico y ninguneada por el discurso científico, muy pocos son los estudiosos que han concedido a la pasión amorosa la atención que merece. El presente título, fruto de un trabajo de investigación doctoral, analiza el fenómeno del amor en toda su complejidad, pero incidiendo especialmente en su construcción sociocultural desde un punto de vista queer.
   La tesis central de esta obra es que las emociones están mediadas culturalmente, y predeterminadas por los mitos, los relatos, los estereotipos y tabúes que las han devaluado durante siglos a la categoría de sentimientos irracionales no susceptibles de ser investigados con rigor académico. Mediante un proceso de crítica y deconstrucción, la autora va desvelando la mitificación del romanticismo patriarcal, las utopías emocionales de la posmodernidad, y la existencia de ciertas ideas etiquetadas como normales o naturales, concebidas por nuestra cultura para perpetuar las estructuras sentimentales tradicionales y legitimar la organización económica y política de la sociedad occidental.

Coral Herrera Gómez (Madrid, 1977) es Doctora en Humanidades, experta en Teoría de Género y Teoría de la Comunicación Audiovisual. Dedicó su tesis doctoral al amor romántico desde una perspectiva multidisciplinar cercana al feminismo, los estudios de masculinidad y la teoría queer. A partir de entonces, su trayectoria profesional ha estado siempre ligada a la investigación y reflexión en torno a las relaciones eróticas y afectivas de los seres humanos en la posmodernidad.
   Actualmente forma parte del Observatorio de Género y Medios Centroamericano, es consultora de Poliamor de Intimate, un proyecto de investigación de la Universidad de Coimbra, e imparte el taller “Señoras que dejan de sufrir por amor”. En su blog, www.haikita.blogspot.com, con un lenguaje de humor y de batalla, deconstruye los mitos que han generado las desigualdades y las dependencias económicas y emocionales entre mujeres y hombres.

Canciones 2 de David Bowie
Colección Espiral, serie Canciones 110
    ISBN: 978-84-245-0492-2; formato 11,3 x 20,3 cm; 204 páginas.


Si el surrealismo y la decadencia mantenidos por David Bowie durante su etapa en el glam-rock, dieron un último coletazo con Diamond Dogs (álbum conceptual, parcialmente inspirado en la novela 1984 de Orwell); el soul sofisticado de su etapa americana, representada por Young Americans y Station to Station, dio paso a su polémica “trilogía” berlinesa, concebida con Brian Eno y encarnada en Low, Heroes y Lodger.
    Tras el fascinante Scary Monsters, Bowie cayó en la ortodoxa comercialidad con Let’s Dance y Tonight, para volver de nuevo al rock más puro con el posterior “híbrido” Never Let Me Down. Su poesía perversa y seminal, social y denunciante, lúcida y fantástica, ha otorgado a su obra un broche de genialidad impermeable y ha conseguido que se mantenga un devoto interés por las visiones de uno de los poetas más cínicos, crudos y desafiantes de la historia del rock.
    Este libro comprende las letras originales con la correspondiente traducción al castellano de los álbumes arriba mencionados. Los trabajos anteriores se encuentran en el volumen 1 de Canciones de David Bowie (número 109 de esta misma colección).

¿Por qué? Trampolín del actor, de William Layton
Colección Arte, serie Teoría teatral 108
   ISBN: 978-84-245-0566-0; formato: 13,3 x 19,3 cm; 192 páginas.


En esta obra se encierran años de investigación y práctica dedicados a la formación y dirección del actor, pero ello no le daría un valor especial si no fuera el resultado de una forma de 'vivir' el teatro. Este ha sido siempre el objetivo -y la gran lección- de William Layton: desarrollar una técnica que se toma a sí misma como punto de partida y no como dogma de fe, una enseñanza que tiene lugar en un proceso de crecimiento orgánico y que "solo aspira a indicar un buen camino".
   Lo que el lector encontrará es un cuidadoso resumen de su proceso didáctico, una técnica que encuentra en su sencillez y claridad sus mayores virtudes, pero también su gran dificultad y desafío. Porque si este 'trampolín', instrumento tan fácil de entender como difícil de dominar, se quiere usar con virtuosismo, es decir, 'volar' con él ('vivir' el teatro), requiere, como dice su autor, "meses de trabajo... años de práctica para hacerlo propio", y así estar preparado para "aprender del mejor maestro: el público".

Cuando la terapia sexual fracasa. Aportaciones sexológicas para el éxito, de Silberio Sáez
Colección Ciencia, serie Psicología 292
   ISBN: 978-84-245-1043-5; formato: 13,3 x 19,3 cm; 208 páginas.


Cuando la terapia sexual fracasa no pretende ser un listado de recursos terapéuticos, sino complementar y abrirse nuevas propuestas de reflexión en todo lo que supone el “sexo”, en tanto hombre y mujer.
      La primera parte de la obra sienta unas bases teóricas con el fin de que el lector pueda manejarse con soltura con los conceptos que se desarrollan más adelante en los casos prácticos. La segunda pretende ser un ejercicio riguroso de puestas en práctica, es decir, se busca que el lector pueda “percibir” las posibilidades de aplicación real en terapia de las propuestas teóricas desarrolladas en la primera parte del libro.
   Asimismo, esta obra puede ofrecer nuevas posibilidades terapéuticas a profesionales que, desde ámbitos no sexológicos, se encuentren con demandas sexuales, como pueden ser el psicológico, psiquiátrico, médico, biológico, social…

Silberio Sáez es director de IUNIVES (Instituto Universitario de Sexología) de la Universidad Camilo José Cela y profesor del Máster Oficial en Sexología de dicha universidad. Es además co-director del Instituto de Sexología AMALTEA de Zaragoza. Algunas de sus publicaciones sobre sexología son: Sexo Básico; Prevención del VIH/SIDA. Claves educativas y Educación Sexual.

El método del Actor’s Studio. Conversaciones con Lee Strasberg, de R. H. Hethmon
Colección Arte, serie Teoría Teatral 36
   ISBN: 978-84-245-0094-8; formato: 15 x 21 cm; 286 páginas.


Robert H. Hethmon nos ofrece en este libro lo que se puede considerar una pieza maestra de la literatura teatral. Asistiendo a las sesiones del Actors Studio ha recogido en la cinta magnetofónica las lecciones de Lee Strasberg; posteriormente ha ordenado este material según las directrices del Método. De este modo ha conseguido exponer toda la formación, tanto práctica como teórica, que recibe un actor en el Studio y, al mismo tiempo, desvelar la utilización que ha hecho Strasberg del famoso Método de Stanislavski, descubriendo sus aportaciones personales.
   En la introducción, Hethmon expone la trayectoria y sentido del Actors Studio dentro de la vida teatral norteamericana y la influencia que ha recibido desde que se incorporó a él Lee Strasberg. Algunos actores que siguieron el Método fueron Marlon Brando, Eva Marie Saint, Paul Newman, Marilyn Monroe, James Dean y Montgomery Clift.
    Robert H. Hethmon ha enseñado y producido obras en las Universidades de Wisconsin, Colorado y California. Profesor emérito de Teatro en la UCLA, de 1960 a 1962 fue director del Centro de Investigación Teatral de Wisconsin.

El último Stanislavski: el análisis activo, de María O. Knébel
Colección Arte, serie Teoría teatral 112
    ISBN: 978-84-245-0733-6; formato: 15 x 21 cm; 168 páginas.


La difusión del revolucionario «sistema» con que Stanislavski enriqueció el teatro del siglo xx, ha sufrido una serie de oscurecimientos que han dificultado su recta apreciación. Solo pudo supervisar en vida la primera parte de su libro El trabajo del actor sobre sí mismo. La visión de su trabajo es incompleta si no se la considera conjuntamente con El trabajo del actor sobre su papel.
   La aproximación norteamericana tiene su fuente en un encuentro de pocas semanas entre el mismo Stanislavski y Stella Adler en un momento en que las investigaciones del director ruso no habían alcanzado el contraste al que las sometió más tarde. La mayor parte del conocimiento que tenemos de Stanislavski llega a España y Latinoamérica a través de la versión estadounidense que soslaya la enorme importancia del habla escénica, reduciéndola
a la mera interioridad.
   La prueba a que fue sometido el sistema por E. Vajtángov, V. Meyerhold y M. Chéjov hizo revisar al gran maestro sus aproximaciones; y así surge al final de su vida el sistema de las acciones físicas donde la aceleración del proceso de construcción del personaje se halla en la elucidación física de la acción, mucho más potente que la elucidación psíquica a la que hasta entonces se había dado preeminencia.

María Ósipovna Knébel fue discípula directa de Stanislavski, compañera y amiga de E. Vajtángov y M. Chéjov, de quien editó su legado fundamental, El arte del actor. El último Stanislavski —el análisis activo— es una extraordinaria herramienta empleada por muchos directores de todo el mundo, que ya da sus frutos en los trabajos del Teatro de la Abadía (Madrid) y que en la práctica se convierte en una guía esencial para el actor, un mapa para orientarse en el océano de palabras que es el texto teatral.

Cuerpos en escena, de Sol Garre e Itziar Pascual
Colección Arte, serie Teoría teatral
   ISBN: 978-84-245-1166-1; formato: 17x24 cm; 176 páginas.


Cuerpos en escena se adentra en distintas formas de expresión que se materializan a través del lenguaje del cuerpo. La intención de todo artista es trascender, más allá de la forma plástica o de una técnica u otra, trasmitiendo aquello que mueve, conmueve y estimula el imaginario del espectador. Desde ahí se configura una temática común, que se refiere al estudio del lenguaje escénico cuyo soporte es el cuerpo.
     Para poder dar forma visible a sus vivencias, el actor se vale de ciertas herramientas que le permiten afrontar el lenguaje corporal a partir de su propia identidad. Cuerpos en escena no trata el cuerpo como instrumento, sino que analiza las herramientas con las que el actor corporal puede dar forma y contenido a sus movimientos. La Interpretación en el Teatro del Gesto; la Expresión Corporal; el Mimo y la Pantomima; la Comedia del Arte; la Danza; la Esgrima; la Acrobacia y el Clown son algunos de los ámbitos abordados en este trabajo.
     El camino es delicado para no caer en lo excesivamente técnico, ni en lo excesivamente espontáneo y superficial. Encontrar el justo equilibrio entre la práctica y la teoría, conocer distintos aspectos creativos desde donde surge el lenguaje corporal y a los que puede conducir marcan los objetivos de este volumen.

Sol Garre ha trabajado como actriz y directora de teatro. Actualmente es profesora titular de Interpretación Gestual en la RESAD de Madrid. Especializada en el teatro físico contemporáneo, el entrenamiento psicofísico del actor y las técnicas de imaginación de Michael Chéjov, imparte cursos y talleres sobre esta metodología en España y el Reino Unido.

Itziar Pascual es dramaturga, pedagoga y periodista. Ha publicado los estudios ¿Un escenario de mujeres invisibles? El caso de las Marías Guerreras, Premio Victoria Kent de la Universidad de Málaga y Suzanne Lebeau. Las huellas de la esperanza. Ha realizado la edición de Teatro español para la infancia y la juventud (1800-1936), número 342 de la Colección Espiral, serie Teatro.